「統一性を保つためには作品全体を構成する必要がある」作曲家インタビュー：マルク・ジャンブールクィン氏（Marc Jeanbourquin） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

[English and French are below Japanese]

スイスの作曲家マルク・ジャンブールクィン氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

最近は作曲よりも編曲が多い印象もありますが、才能のある作曲家の一人です。ごゆっくりお読みください。

1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私は幼い頃（5～6歳）から音楽を始め、ソルフェージュとピアノのレッスンを受けました。そして10歳のとき、スイスの私の村の楽団の青少年アンサンブルでトランペットとユーフォニアムを始めました。吹奏楽の指揮者コースに参加した後、少年合奏団、そして村の楽団の指揮を引き継ぎました。この時期、私は多くの編曲を手がけ、曲がどのように作曲されたかを知ることができました。同時に、即興演奏に明け暮れるピアノの勉強も続けました。その後、スイスのエンターテイメント音楽祭で行われた作曲コンクールに「Crunchy Starter」で初めて応募し、1位を獲得しました。それがきっかけだったと思います。その後、スイスのフリブールにある音楽院で吹奏楽の指揮の腕を磨き、この頃に初めて作曲した曲をいろいろな出版社に送りました。日本の作曲家、酒井格の「たなばた」をブラスバンド用にトランスクリプションすることを提案し、当時のデハスケ・レーベル（現在のハル・レナード・ヨーロッパ）とのコラボレーションが始まりました。その後、私の作品のいくつかは、スタイルや難易度を変えて出版されました。委嘱も舞い込み、大成功を収めたのです。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

私はいつも頭の中にたくさんの音楽的アイディアを持っています。主題、メロディ、伴奏、一連のコードなどを想像し、それが頭の中で発展していくのを聞くのが好きなのです。それを「紙に書き出し」たり、コンピューター・プログラムに書き込んだりして、さまざまなパートをオーケストレーションしたり、声を配分したり、楽器の色で遊んだり、パーカッションを加えたりしながら、レシピのように発展していくのを見るのがとても楽しい。さらに、構成や統一感を見つけること、浮かんでくるアイデアをすべて取捨選択すること、頭の中で実際に起こっていることを最終的に聴くためにすべてを流すことも、私を魅了してやみません。最初は自分のために作曲していたのですが、吹奏楽やファンファーレオルケスト、ブラスバンドのために作曲することで、とても主観的な方法で自分のアイデアを共有できるようになった。だから、人々が私の音楽を評価してくれるのはとても嬉しいです。

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

小編成のグループや複雑なアンサンブルのために作曲するのが好きです。私は必ずしも最初から自分にルールを課しているわけではありません。特定の委嘱によって、特定のスタイル、期間、編成が課された場合に、そのルールが適用されます。もともとは少しずつ書き進めていっていましたが、やがて物語や小説、文芸小説のように、ある種の統一性を保つためには作品全体を構成する必要があることに気づきました。私は、（作品のレベルとの関係で）すべての声が、ある時点で、あるいはほかの時点で、何か面白い役割を果たすように心がけています。パーカッションの使い方にも細心の注意を払い、単なる伴奏ではなく「面白い」役割を与えるようにしています。アマチュア・アンサンブルの現実を念頭に置いていて、彼らは必ずしも奏者が揃っているとは限らない。そのため、私はしばしば「既定」のパートを追加して、作品の響きをよくするようにしています。作品の中にいくつかの楽章がある場合は、各パートの演奏時間を観察して、ある種の統一感を出すようにしています。私の頭の中にはたくさんのアイディアが渦巻いていることが多いのですが、それを紙に書き留めるには時間がかかるので、音楽的な内容を詰め込みすぎないように、考え、音楽的なイメージを流し、しばしば選択をしなければなりません。最後に、コンクールの審査員として活動したり、他のアンサンブルの指揮に招かれたり、他の作品を聴いたり、他の作曲家を発見したりすることで、間接的に自分の技術を完成させ続け、他の音楽家の作曲技法を分析することができます。それは魅力的なことです。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）
「Crunchy Starter」という軽快な曲で作曲賞を受賞した後、さまざまなスタイルの曲を作曲しました。ある日、出版社からアイルランド風の曲を書いてほしいと頼まれました。数日後、私は「Irish Coffee」を送りました。彼はすぐに、この曲は良いが、私が同意するなら別のタイトルを探すべきだと言いました。「Irish Pub」を経て、最終的に「Dublin Pictures」というタイトルになりました。その後、私はこの曲の曲目解説を書くことになり、行ったこともないのにダブリンの観光説明になってしまいました。この作品は、私の作品をスイス国外に広めるためのコンサートでよく演奏されます。

5-a. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

私は、主題やメロディー、リズムが感情を揺さぶるような、何か「美しい」と感じるような、気持ちのいい音楽を聴くのが好きです。聴いているうちに、無意識のうちに自分が聴いているものを分析しているような気がしてきます。どんなスタイルも好きですが、他のスタイルより好きなものもあります。バッハ、モーツァルト、ベートーヴェン、ショパン、チャイコフスキー、ブルックナー、シューベルト…などのクラシック作品を発見したり、再発見したりするのが好きです。音楽のテーマやディズニーのメロディーのエネルギーが大好きです。ジョン・ウィリアムズ、アレクサンドル・デスプラ、ハンス・ジマー、マイケル・ジアッチーノ、ブライアン・タイラー…。私が感動するのは、和声のための作曲家の作品だけでなく、むしろこうした現代の作曲家の作品です。もちろん、同じ理由でポップミュージックも聴きます。より拷問的な作品や非常に頭脳的な作品は、私にはあまり響きません。

5-b. 上記とは別に、現代の作曲家で特に注目している作曲家がいれば理由と合わせて教えてください。

駆け出しのころは、聴いたスタイルで自由に書いて、あまり障壁なくアイデアを膨らませていました。私は吹奏楽のための作曲家の作品を聴き、研究し続け、作品を楽しんできました。ヤン・ヴァンデルロースト、ベルト・アッペルモント、オリヴァー・ヴェースピ、エティエン・クラウザ、八木澤教司、酒井格、ジュリー・ジルー、ナイジェル・ヘス、ヨハン・デメイ、ケヴィン・ホーベン、フランコ・チェザリーニ…。彼らの作品の構造、音楽的アイデア、オーケストレーションの選択などを発見するのが大好きです。私は今でもコンサートや審査員、作曲家としての仕事の中でそれらを発見することがあります。

例えば、スペインの作曲家のオーケストレーションは素晴らしく、彼らのオーケストラはスイスよりもはるかに規模が大きい。膨大な数の和声のための作曲家がいることをよく承知していますが、私はこの巨大なファミリーの一員であることに好奇心と感謝の念を持ち続けています。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。
吹奏楽のレベル5の委嘱作品「Shuttelcock」を完成させたばかりで、他の作品同様、国内外のアンサンブルにアピールできればと思っています。また、ユース・アンサンブルのための新しいミュージカル・コメディのプロジェクトや、ポップ・シンガーとコラボレートした吹奏楽のための2つのオーケストレーション・プロジェクトもあり、「伝統的な」吹奏楽作品から離れることになりそうです。

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。
ここまで来る前に、私はたくさんの仕事をしたし、今もしています。私は音楽を通して自分の感情を伝えることができると思うし、私の書いたものを評価してくれる人たちと情熱を分かち合えるのは幸運なことです。私は地に足をつけて、自分の作品が出版されれば、コンサートプログラムやコンクールを通じてそれらが道を切り開くことを受け入れ、人々がそれらをあまり好まないことも受け入れますが、批判や指摘には耳を傾けます。日本の若い作曲家へのアドバイスとしては、立ち止まらないこと、あきらめずに続けること、自分の作品を信じること、そして成功のために作曲しないことです。なるようになります。

インタビューは以上です。ジャンブールクィンさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にCDやYou Tube、演奏会を通じてジャンブールクィンさんの作品に触れていただきたいと思います。

取材・文：梅本周平（Wind Band Press）

[English]

Interview with Marc Jeanbourquin

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?
I started playing music at a very young age (5-6), taking solfeggio and then piano lessons. Then, at the age of 10, I started playing trumpet and euphonium in the youth ensemble of my village band in Switzerland. After taking part in wind ensemble conducting courses, I took over the direction of the youth ensemble and then the village band. It was during this period that I made a number of arrangements, which enabled me to see how the pieces were composed. At the same time, I continued to study the piano, an instrument with which I spent hours improvising. I then entered my first composition competition for an entertainment music festival in Switzerland. With “Crunchy Starter”, I won 1st prize. I think that was the trigger. I went on to perfect my wind ensemble conducting skills at the conservatory in Fribourg, Switzerland, and it was at this time that I sent my first compositions to various publishing houses. By proposing a transcription for brass band of “The 7th night of July” by Japanese composer Itaru Sakai, I began a collaboration with the DeHaske label of the time (now Hal Leonard Europe). Several of my pieces were subsequently published in different styles and difficulties. Commissions also came in and were a great success.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?
I always have lots of musical ideas in my head. I like to imagine a theme, a melody, an accompaniment, a series of chords and hear them evolve and develop in my head. I really enjoy “putting them down on paper” or in a computer program and watching them develop, orchestrating the different parts, distributing the voices, playing with the colors of the instruments, adding percussion, rather like a recipe. What’s more, finding a structure, a unity, making choices from all the ideas that come in, channeling it all to finally hear what was really going on in my head also fascinates me. Even though I initially compose a bit for myself, composing for harmony, fanfare and brass band allows me to share my ideas in a very subjective way. So it’s great to see that people appreciate my music.

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?
I like composing for small groups as well as for more complex ensembles. I don’t necessarily give myself rules at the outset. They come into play if a particular commission imposes a particular style, duration or formation. Although I originally wrote a bit as I went along, I soon realized that, like a story, a novel or a literary novella, the piece had to be structured as a whole to maintain a certain unity. I try to ensure that all the voices have something interesting to play at one point or another (in relation to the level of the piece). I also pay close attention to the use of percussion, so as to give it an “interesting” role and not just an accompaniment. I keep in mind the reality of amateur ensembles, which don’t necessarily have a full complement of players. So I often add “default” parts to make the piece sound good. If one of my compositions has several movements, I observe the duration of each part, to create a kind of unity. I often have lots of ideas swirling around in my head, but the time it takes to put them down on paper is longer, so I have to think, channel these musical images and often make choices, so as not to overload the musical content. Finally, by being active as a jury in competitions, being invited to conduct other ensembles, listening to other works and discovering other composers, I indirectly continue to perfect my skills and analyze the compositional techniques of other musicians, which is fascinating.

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)
After winning a first composition prize for “Crunchy Starter”, a light piece, I composed other pieces in different styles. One day my publisher asked me to write a piece in an Irish style. A few days later, I sent him “Irish Coffee”. He was quick to tell me that the piece was good, but that perhaps I should find another title, if I agreed. After going through “Irish Pub”, it was finally called “Dublin Pictures”. I then had to write the presentation text for the piece, and turned it into a tourist description of Dublin, even though I’d never been there. This piece is often programmed at concerts to promote my work outside Switzerland.

5-a. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

I like to listen to music that feels good, where a theme, melody or rhythm makes me feel an emotion, something I find “beautiful”. As I listen, I feel as if I’m unconsciously analyzing what I hear. I like all styles, some more than others 😉 I love discovering or rediscovering classical works by Bach, Mozart, Beethoven, Chopin, Tchaikovsky, Bruckner, Schubert… I love the energy of a musical theme or a Disney melody. I love film music by today’s composers, John Williams, Alexandre Desplat, Hans Zimmer, Michael Giacchino, Brian Tyler… It’s more the works of these contemporary composers that move me, as well as those of composers for harmony. Of course, I also listen to pop music for the same reasons. The more tortured or very cerebral pieces speak to me less.

5-b. Apart from the above, would you tell me about any contemporary composers that you are particularly interested in, along with the reasons why?

When I started out, I wrote in the styles I listened to, taking liberties and letting my ideas develop without too many barriers. I’ve continued to listen to and study pieces by composers for wind ensembles, enjoying the works of Jan van der Roost, Bert Appermont, Oliver Waespi, Etienne Crausaz, Satoshi Yagisawa, Itaru Sakai, Julie Giroux, Nigel Hess, Johan de Meij, Kevin Houben, Franco Cesarini… I love discovering the structure of their works, their musical ideas, their choices of orchestration, etc. I’m still discovering them at concerts and in my work as a composer. I’m still discovering things at concerts and in my jury work.

For example, the orchestrations of Spanish composers are incredible, their orchestras being much larger than in Switzerland. Well aware of the gigantic number of composers for harmony, I remain curious and grateful to be part of this huge family.

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

I’ve just completed a level 5 wind band commission, “Shuttelcock”, for a regional competition, and I hope that this piece, like the others, will appeal to ensembles here and abroad. I also have a new musical comedy project for youth ensemble, and two orchestration projects for wind band in collaboration with pop singers, which will take me away from “traditional” wind band pieces.

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?

Before I got to this point, I did a lot of work and I’m still doing it. I think I can convey my emotions through music, and I’m lucky enough to be able to share my passion with people who appreciate what I write. I keep my feet on the ground and accept that my works, once published, will make their way through concert programs or competitions, I also accept that people are less fond of them, but I listen to their criticisms or remarks. My advice to young Japanese composers is to keep going, never give up, believe in your pieces, and don’t compose for success – it will come if it’s meant to come.

[French]

Entretien avec Marc Jeanbourquin

1. Tout d’abord, pourriez-vous me parler de votre parcours, où et comment vous avez grandi, ce qui vous a poussé à devenir compositeur ?

J’ai commencé la musique très jeune à 5-6 ans, avec des cours de solfège et puis de piano. Puis vers l’âge de 10 ans j’ai débuté la trompette puis l’euphonium dans l’ensemble musical des jeunes de l’harmonie de mon village en Suisse. En participant à des cours de direction d’ensemble à vents, j’ai repris la direction de l’ensemble des jeunes puis l’harmonmie de mon village. C’est à cette période que j’ai réalisé bon nombre d’arrangements, ce qui m’a permis de voir comment les pièces étaient composées. Parallèlement j’ai continué d’étudier le piano, instrument avec lequel je passais des heures à improviser. J’ai ensuite participé à un premier concours de composition pour une fête de musique de divertissement en Suisse. Avec « Crunchy Starter », j’ai remporté le 1er prix. Je pense que ça a été l’élément déclencheur. Je me suis ensuite perfectionné en direction d’ensembles à vent au conservatoire de Fribourg en Suisse et c’est à cette époque que j’ai envoyé mes premières compositions à différentes maisons d’édition. En proposant une transcription pour brass band de « The 7th night of July » du compositeur japonais Itaru Sakai, j’ai ainsi débuté une collaboration avec la maison DeHaske de l’époque (actuellement Hal Leonard Europe). Plusieurs de mes pièces ont ensuite été publiées dans des styles et des difficultés différentes. Les commandes sont aussi arrivées et ont remportées un franc succès.

2. Vous avez publié de nombreuses œuvres pour orchestre d’harmonie. Pourriez-vous me dire ce qui vous fascine dans la musique pour orchestre d’harmonie ?

J’ai toujours de nombreuses idées musicales dans la tête. J’aime imaginer un thème, une mélodie, un accompagnement, une série d’accords et les entendre évoluer, se développer dans ma tête. Les « mettre sur le papier » ou dans un logiciel informatique pour les voir se développer, orchestrer les différentes parties, répartir les voix, jouer avec les couleurs des instruments, ajouter de la percussion, un peu à la manière d’une recette de cuisine, me plaît énormément. De plus, chercher une structure, une unité, faire des choix parmi toutes les idées qui arrivent, canaliser tout cela pour finalement entendre réellement ce qui se tramait dans ma tête me fascine aussi. Même si au départ je compose un peu pour moi, la composition pour harmonie, fanfare et brass band me permet de partager mes idées d’une manière très subjective. Ainsi, constater que des gens apprécient ma musique me plaît beaucoup.

3. Lorsque vous composez une pièce pour orchestre d’harmonie, y a-t-il quelque chose à quoi vous faites particulièrement attention, que vous gardez à l’esprit, ou pour lequel vous avez vos propres règles ?

J’aime aussi bien composer pour des petites formations que pour des ensembles plus complexes. Je ne me donne pas forcément de règles au départ. Elles sont présentes si une commande particulière impose un style, une durée ou une formation particulière. Même si à l’origine, j’écrivais un peu comme ça venait, j’ai assez vite réalisé que comme une histoire, comme un roman ou une nouvelle littéraire, il fallait avant tout structurer la pièce dans son entier pour garder une certaine unité. J’essaie de faire que toutes les voix aient à un moment ou à un autre quelque chose d’intéressant à jouer (en relation avec le niveau de la pièce). Je reste aussi attentif à l’utilisation de la percussion, afin de lui donner un rôle « intéressant » et pas juste d’accompagnement. Je garde à l’esprit la réalité des ensembles amateurs qui n’ont pas forcément un effectif complet. J’ajoute donc souvent des parties « à défaut » pour que la pièce sonne bien. Si une de mes compositions comporte plusieurs mouvements, j’observe la durée de chaque partie, pour créer une sorte d’unité. Souvent de nombreuses idées foisonnent dans ma tête mais le temps de le mettre sur le papier étant plus long, ça me pousse à réfléchir, à canaliser ces images musicales et souvent à faire de choix, pour ne pas surcharger le contenu musical. Finalement, en étant actif comme jury lors des concours, en étant invité à diriger d’autres ensembles, en écoutant d’autres des œuvres, en découvrant d’autres compositeurs, je continue indirectement de me perfectionner, d’analyser les techniques de compostions d’autres musiciens, ce qui est passionnant.

4. Si vous avez une œuvre qui a marqué un tournant dans votre vie de compositeur, pourriez-vous me raconter l’épisode de cette œuvre ? (Il ne s’agit pas nécessairement d’un morceau pour orchestre d’harmonie).

Après avoir gagné un premier prix de composition « Crunchy Starter », une pièce légère, j’ai composé d’autres pièces dans des styles différents. Un jour mon éditeur m’a proposé d’écrire une pièce dans un style irlandais. Quelques jours après, je lui envoyais « Irish Coffee ». Il m’a dit assez rapidement que la pièce était bien mais qu’il fallait peut-être trouver un autre titre, si j’étais d’accord. Après être être passée par « Irish Pub », elle s’est finalement appelé « Dublin Pictures ». J’ai ensuite dû rédiger le texte de présentation de l’œuvre et j’en ai fait un descriptif touristique de Dublin, bien que je n’y aie jamais mis les pieds. Cette pièce est souvent programmée lors des concerts a de faire connaître mes œuvres en dehors de la Suisse.

5-a. S’il y a des œuvres d’autres compositeurs ou arrangeurs qui ont fortement influencé votre composition ou votre arrangement, pourriez-vous me parler d’eux et me dire comment ils vous ont influencé ? (Il n’est pas nécessaire qu’il s’agisse de musique classique)

J’aime écouter de la musique qui fait du bien, où un thème, où une mélodie, où un rythme me fait ressentir une émotion, quelque chose que je trouve « beau ». En écoutant, j’ai l’impression que j’analyse inconsciemment ce que j’entends. Je suis donc très ouvert dans les musiques que j’écoute, j’aime tous les styles, certains plus que d’autres 😉 j’aime découvrir ou redécouvrir des œuvres classiques Bach, Mozart, Beethoven, Chopin, Tchaïkovski, Bruckner, Schubert… J’aime l’énergie que dégage les thèmes des comédies musicales ou une mélodie de Disney. J’adore la musique de films des compositeurs actuels, John Williams, Alexandre Desplat, Hans Zimmer, Michael Giacchino, Brian Tyler… Ce sont plutôt les œuvres de ces compositeurs contemporains qui me touchent, tout comme celles de compositeurs pour harmonie. J’écoute évidemment aussi de la musique pop pour les mêmes raisons. Les pièces plus torturées ou très cérébrales me parlent moins.

5-b. En dehors de ce qui précède, pourriez-vous me parler de compositeurs contemporains qui vous intéressent particulièrement, et m’expliquer pourquoi ?

À mes débuts j’ai écrit dans des styles que j’écoutais, en me laissant des libertés et en laissant mes idées se développer, sans trop de barrières. J’ai continué d’écouter et d’étudier des pièces de compositeur·ice·s pour ensembles à vent, j’apprécie les œuvres de Jan van der Roost, Bert Appermont, Oliver Waespi, Etienne Crausaz, Satoshi Yagisawa, Itaru Sakai, Julie Giroux, Nigel Hess, Johan de Meij, Kevin Houben, Franco Cesarini… J’aime découvrir la structure de leurs œuvres, leurs idées musicales, leurs choix d’orchestration, etc. J’en découvre encore toujours lors de concerts ou lors de mon travail de jury.

Par exemple, les orchestrations de compositeurs espagnols sont incroyables, leurs orchestres étant bien plus grands qu’en Suisse. Bien conscient de la quantité gigantesque de compositeurs pour harmonie, je reste curieux et reste reconnaissant de faire partie de cette immense famille.

6. Pourriez-vous me parler de vos objectifs futurs (ou de ce sur quoi vous aimeriez travailler à l’avenir) ?

Je viens de terminer une commande pour harmonie « Shuttelcock » de niveau 5 pour un concours régional, et j’espère que cette pièce plaira comme les autres aux ensembles d’ici et d’ailleurs. J’ai aussi un nouveau projet de comédie musicale pour ensemble de jeunes, et deux projets d’orchestration pour harmonie en collaboration avec des artiste chanteurs pops, ça me fera sortir des pièces « traditionnelles » pour harmonie.

7. Vos œuvres sont jouées et appréciées dans de nombreux pays du monde. Quels conseils donneriez-vous aux jeunes compositeurs japonais et aux étudiants japonais qui souhaitent devenir compositeurs ?

Avant d’en arriver là, j’ai beaucoup travaillé et je continue. Je pense que j’arrive à transmettre mes émotions par la musique, j’ai ainsi la chance de pouvoir partager ma passion avec des gens qui apprécient ce que j’écris. Je garde les pieds sur terre et j’accepte que mes œuvres, une fois publiées, fassent leur chemin, à travers les programmes de concerts ou les concours, j’accepte également que des gens les affectionnent moins, j’écoute cependant leurs critiques ou leurs remarques. Le conseil que je pourrais donner aux jeunes compositeurs japonais, c’est de continuer, de ne jamais baisser les bras, de croire en leurs pièces, de ne pas composer pour le succès, il viendra s’il doit venir.

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

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